CURSO 2015/16
En estas páginas puedes ver cómo funciona la voz y su clasificación
LA VOZ HUMANA: "APUNTES"
MAPA CONCEPTUAL SOBRE LA VOZ
TÉCNICA VOCAL
Puedes seguir estos pasos:
1-Estiramientos y relajación
2- Respiración abdominal o diafragmática
3- Vocalización y afinación
CANCIONES
A thousand years (Christina Perri) . El vídeo está un poco más abajo, en el curso anterior.
Hallo Django (Uli Fuehre). Es un canon con aire swing, escrito en clave
Puedes ver más cánones de estilo swing:
Doeba y Canon des scats
Je veux (Zaz) Esta cantautora mezcla la canción francesa con el jazz manouche, también llamado gypsy jazz. Aquí usa la técnica del scat.
El Scat, es una técnica de improvisación vocal, muy utilizada en el jazz, que por medio de fonemas o sílabas sin sentido alguno, que el propio intérprete selecciona, le permite adquirir la misma libertad improvisatoria que los instrumentistas de jazz. la voz adquiere una libertad de fraseo que le acerca a la técnica instrumental.
LA VOZ HUMANA: "APUNTES"
MAPA CONCEPTUAL SOBRE LA VOZ
TÉCNICA VOCAL
Puedes seguir estos pasos:
1-Estiramientos y relajación
2- Respiración abdominal o diafragmática
3- Vocalización y afinación
CANCIONES
A thousand years (Christina Perri) . El vídeo está un poco más abajo, en el curso anterior.
Hallo Django (Uli Fuehre). Es un canon con aire swing, escrito en clave
de jazz, y que presenta ese pulso ritmico peculiar denominado swing (basado en la alternancia de una nota larga y otra corta.Cuando aparecen dos corcheas, se interpretan con "swing", esto es, alargando un poco la primera nota)
Puedes ver más cánones de estilo swing:
El Scat, es una técnica de improvisación vocal, muy utilizada en el jazz, que por medio de fonemas o sílabas sin sentido alguno, que el propio intérprete selecciona, le permite adquirir la misma libertad improvisatoria que los instrumentistas de jazz. la voz adquiere una libertad de fraseo que le acerca a la técnica instrumental.
En esta canción se aprecia muy bien la influencia del jazz manouche
Aquí puedes ver a Ella Fitgerald, una maestra del scat haciendo un duelo con los instrumentos
Otra técnica vocal relacionada con la anterior es la Vocalese donde la letra se aplica a melodías instrumentales escritas anteriormente
Hablando de Jazz: Andrea Motis viene a Palencia.
EL BLUES
El blues se caracteriza por una estructura de doce compases.
Los textos suelen tener tres frases o versos, siendo los dos primeros iguales (AAB), que se adaptan a esa estructura, utilizando los cuatro primeros versos para decir algo, los cuatro siguientes para repetirlo y los cuatro últimos para concluir la idea.
La secuencia armónica está formada por los acordes construidos sobre los I, IV y V de una escala mayor: I (tónica), IV (subdominante) y V (dominante), sobre la que se improvisa una melodía dentro de una escala pentatónica.
El esquema básico sería: I / I / I / I / IV/ IV/ I / I/ V/ IV/ I/ I o V/
Puede haber variantes: I/ IV/ I / I IV / IV / I / I / V/ IV o V / I / I
Puede ser lento o rápido, triste o alegre, tener texto o ser sólo instrumental, pero para que sea un blues tiene que tener la estructura armónica anterior o una variante.
La escala que utiliza es la escala de blues , que en una escala diatónica mayor la 3ª y la 7ª se tocan . un semitono más grave. La 5ª nota se utilizó a partir de los años 40. Así, en la escala de DO las notas blues serían: mi bemol, sol bemol y si bemol.
Para improvisar usan mucho la escala pentatónica, en este ejemplo vamos a ver el tono de Re menor
Puedes improvisar con la escala anterior sobre esta base:
Puedes ver este pequeño documental
En este disco hay blues de todo el mundo
En este vídeo vemos a un músico en las calles de Amsterdam tocando un blues de manera increíble
Nueva canción
En esta página podemos ver las partituras
Música en la época de Cervantes
Di, perra mora ,de Francisco Guerrero, es una danza con aire de zarabanda o chacona. Pertenece al Cancionero de Medinaceli (1535-1595).
Versión cantada
Versión instrumental: fijaros en la percusión, ¿qué instrumentos está usando?
Aquí está interpretada por un contratenor
En este enlace puedes ver la partitura
La Compañía Nacional de Danza una danza de esta misma época .
Vamos a ver otra obra contemporánea de Miguel de Cervantes: Prado verde, florido; es de Francisco Guerrero, como la anterior. A ver cuál os gusta más!!!
CURSO 2014/2015
ACTUACIONES DE LAS CHICAS DEL CORO y 4º ESO
- Sixteen Girls & Iker: Escuela Oficial de Idiomas de Valladolid (Música Inmediata)
- Sixteen Girls & Iker : Auditorio Miguel Delibes de Valladolid (Música Inmediata)
- Las Chicas del Coro: Auditorio Caja España en Palencia (Graduación de 2º Bachillerato)
- Las Chicas del Coro: IES Alonso Berruguete (Graduación 4º ESO)
- Festivalitos de Navidad y Fin de curso
TRABAJO PARA EL TERCER TRIMESTRE
1- Buscar el significado de Shosholoza.
Puedes encontrarlo en la página del IES Mateo Alemán (que generosamente nos ofrecen)
2- Puedes practicar la canción si pinchas en el MIDI que encontrarás al final de la página del IES Pere Ribot
3- Hacer un resumen de la época Barroca y el nacimiento de la ópera. Lo encuentras al final de esta misma página
4- Realizar un trabajo sobre alguna de las óperas que han aparecido en el Programa This is opera de TVE; hay varios programas grabados que encontrarás en TVE a la carta This is opera
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LADY GAGA sorprende en la ceremonia de los oscars cantando los temas de Sonrisas y
Lágrimas (The sound of music) , homenajeando a Julie Andrews
Vídeos de las canciones que estamos interpretando en clase
"A thousand years " de Christina Perri
"Hallo Django" del compositor Uli Fuehre
La canción anterior interpretada en canon
Vamos a interpretar dos cánones más también con aire swing:
Doeba y Canon des scats
A castle on a cloud, de los Miserables
HISTORIA DE LA MÚSICA VOCAL (abreviada)
Aunque no hay ningún vestigio, suponemos que el origen de la Música estaría en el uso de la voz y la percusión corporal.
Hay restos de instrumentos musicales en Egipto y Mesopotamia, pero los primeros indicios de música vocal en la cultura occidental están en la Civilización Griega :
- Canto con acompañamiento de Instrumentos de cuerda (aparece en algunas ánforas y en La Ilíada y la Odisea), realizado por héroes o por cantores profesionales (Aedos)
- Canto con acompañamiento del aulos (tipo de flauta) llamado aulodia
- Canto coral en ceremonias religiosas y funerarias.
- Recitaciones de poemas con acompañamiento de instrumentos de cuerda (khitara) llamadas kitharodias
- Canciones acompañadas de instrumentos:
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Pean: canción consagrada a Apolo
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Ditirambo: para el culto dionisíaco
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Himno: canción solemne dedicada a los dioses
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Treno: lamento fúnebre
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Himeneo: canción de la novia
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Escolion: canción un Baco
Muchas veces eran acompañadas de danza y pantomima
La Manifestación musical más importante está en la Grecia Clásica: la tragedia
Muchas veces eran acompañadas de danza y pantomima
La Manifestación musical más importante está en la Grecia Clásica: la tragedia
El coro y los instrumentos se colocaban en la orquestra , delante del escenario, y tenían un papel importante en la trama (se conservan muy pocos fragmentos)
El Epitafio de Seikilos es uno de los pocos fragmentos con notación musical que se conservan de la música en la Antigua Grecia. Se trata de una inscripción en una columna de mármol de una tumba de Asia Menor, actual Turquía. La estela desapareció en 1922. Más tarde se encontró, rota en su base. Una mujer turca la usaba para apoyar una maceta en su jardín. Hoy se encuentra en el Museo Nacional de Dinamarca.
Civilización Romana
Tiene su base de en la cultura griega.
Los etruscos usan la música en ceremonias religiosas.
En Roma aparece el coro en las comedias, y también en la recitación de poesía, donde el canto es acompañado de instrumentos
Edad Media
Es ahora cuando realmente aparecen los primeros restos de música vocal con el canto gregoriano , canto monódico coral, religioso, de ritmo libre, escrito en latín e interpretado por los los monjes de los monasterios.
Es ahora cuando realmente aparecen los primeros restos de música vocal con el canto gregoriano , canto monódico coral, religioso, de ritmo libre, escrito en latín e interpretado por los los monjes de los monasterios.
Puedes verla en notación cuadrada:
Aquí puedes escucharla y seguir la partitura:
Ars Antiqua (XII-XIII)
A una melodía gregoriana ya existente se añade otra de manera paralela a un Intervalo de 4ª ó 5ª
Después se pueden duplicar las voces y así obtener Organa a 4 voces
Otro tipo es el organum melismático
El siguiente paso es el discantus: Las voces van por movimiento contrario, no paralelo como ocurría en el organum
MÚSICA PROFANA: Los trovadores
Los trovadores eran músicos y poetas, que componían sus obras y las interpretaban (también eran ejecutadas por juglares y ministriles). Este movimiento se dio en el sur de Francia (siglos XI-XIV).
Las canciones tienen textura monódica, suelen ir acompañadas por instrumentos, su ritmo es marcado, usan la lengua vernácula y el tema es el amor cortés
El primer canon de la historia
Sumer is icumen in es una famosa canción polifónica de mediados del siglo XIII con texto en inglés medieval escrita probablemente en la Abadía de Reading. Celebra y proclama la llegada del verano con un ostinato ("sing cucu" en las voces graves) y una forma de canon al unísono en las superiores o agudas. Si se observa la partitura original (en la imagen inferior) se aprecia claramente el tipo de notación cuadrada y una cruz en rojo sobre el pentagrama que nos indica el momento o punto de entrada de cada una de las voces principales.
Aquí puedes ver la Partitura de la melodía con texto.
Ars Nova (XIV)
Las formas polifónicas religiosas son la misa y el motete, y en la música profana rondeau , v ballada
Renacimiento
Es la época de la polifonía vocal: se escriben muchas obras para 4 ó 5 voces , e incluso para 6 u 8, en los dos tipos de textura: homofónica y contrapuntística
El villancico español es un buen ejemplo de textura homofónica.El tema de los villancicos es amoroso o satírico. Puedes escuchar y seguir la letra de Más vale trocar de Juan del Encina; en la introducción se escuchan varios instrumentos renacentistas, como la viola de gamba y la vihuela. Aquí puedes ver la partitura
EL madrigal italiano usa los dos tipos de textura (homofonía en el estribillo FA LA LA, y contrapunto en la estrofa) y un recurso llamado madrigalismo, en el que la melodía intenta representar lo que dice el texto, en este caso con onomatopeyas.Un buen ejemplo es el madrigal
Contrapunto bestialle alla mente de Adriano Banchieri
La polifonía religiosa utiliza el motete y la misa con texto en latín y textura contrapuntísitica y polifónica.
Puedes seguir la partitura del motete O magnum mysterium de Tomás Luis de Victoria, uno de los autores más importantes del renacimiento
BARROCO
Durante el Barroco , los compositores siguen cultivando formas vocales heredadas del Renacimiento, pero ya no se presentan las voces superpuestas con igual importancia, sino que se destacará la voz superior sobre las demás , que quedarán subordinadas al acompañamiento del canto.
Esta nueva forma de composición conocida como monodía acompañada o melodía acompañada, estará presente tanto en la música vocal como en la instrumental y supone el cambio de una concepción melódica-horizontal (textura contrapuntísitica) a una concepción acórdica-vertical( textura armónica)
El protagonismo de una melodía superior implica la aparición de una nueva voz grave, que hace de sustento armónico y que recibe el nombre de bajo continuo.
El madrigal es una de las formas más representativas de este cambio estilístico, que será definitivamente asumido a partir del Libro V de Madrigales de Claudio Monteverdi, publicado en el año 1605
El nacimiento de la ópera
La ópera surge en el círculo cultural del Conde Bardi en Florencia. La conocida como "Camerata Fiorentina", que reunía a nobles, sabios, filósofos, poetas y músicos, en su intento de resucitar el teatro clásico griego, será el punto de partida del género operístico, que asumirá plenamente la monodía acompañada.
La utilización de la monodía acompañada facilitará el principal objetivo de la ópera: que la música pueda subrayar y reforzar la expresión de la palabra. Así, el requisito indispensable de la ópera será la inteligibilidad del texto .
La primera ópera conservada es la Eurídice de Jacopo Peri, a la que seguiría otra con el mismo título compuesta por Giulio Caccini. Ambas obras fueron representadas en el año 1600 señalando el inicio del barroco musical. Sin embargo, la considerada como primera gran ópera de la historia es el Orfeo de Claudio Monteverdi estrenada en el año 1607, que ya representa un rico desarrollo instrumental y vocal marcando la estructura del género
Puedes ver algún fragmento esta versión de Jordi Savall, donde recrea con instrumentos y escenografía la representación de la ópera en su época
Características de la ópera
La ópera es una forma vocal compleja de carácter narrativo que utiliza la representación escénica . Escrita para orquesta, coros y solista, se desarrolla en tres partes fundamentales:
La evolución de la ópera en el barroco dará lugar a dos tipos principales dentro del mismo género:
Ópera seria
Utiliza argumentos basados en temas mitológicos y heroicos escritos en italiano y será el género preferido de la aristocracia . A este tipo pertenecen las primeras óperas y adquirirá un gran desarrollo en Italia, su país de origen
La evolución de la ópera seria en el barroco irá distanciándose progresivamente de los ideales iniciales de la Camerata Fiorentina para convertirse en un espectáculo lleno de artificios al servicio de los castrati.
Los principales compositores de este género son Alessandro Scarlattti (1660-1725) y Georg Friedrich Haendel (1685-1759)
Ópera bufa
Utiliza argumentos basados en la vida cotidiana con personajes más cercanos al pueblo que presentan, con frecuencia, una crítica social a las clases altas.Posee un carácter plenamente popular que se refleja en una música más sencilla que prescinde de los castrati, el empleo del idioma propio de cada país y la sustitución de los recitativos por pasajes dialogados
La obra que marca las características de esta ópera cómica es La serva padrona de Givanni Baptista Pergolesi, estrenada en el año 1733.
EL CLASICISMO
A mediados del siglo XVIII, la ópera seria, frente al creciente auge que empezaba a tomar la ópera cómica (buffa en Italia, vaudeville u opera comique en Francia, singspiel en Alemania) era la protagonista absoluta de la vida musical europea.
Gluck plantea con el estreno de su Orfeo ed Euridice , una reforma de la ópera en un intento de despojarla de ornamentos inútiles y lucimientos vocales continuos. Así, se potencia el coro , se eliminan superfluas vocalizaciones y la línea del canto pasa a estar al servicio de la expresión poética . También la orquesta potenciará sus posibilidades al utilizarla de manera más colorista.
Mozart llegará a profundizar de manera inigualable en la relación música-drama, consiguiendo unificar las tendencias operísticas italiana, francesa y alemana y creando así un nuevo estilo. Escribió óperas sobre temas tradicionales (Mitridate y la Clemencia de Tito) , pero en general son de origen popular (Don Giovanni,que representa más bien a un héroe romántico ; La flauta mágica ,con los ideales de igualdad, libertad y fraternidad; Las bodas de Fígaro, Cossí fan tutte, de temas más cercanos...)
EL ROMANTICISMO
En el siglo XIX podemos hablar fundamentalmente estos estilos:
El bel canto: final del XVIII y primera mitad del XIX
El bel canto es un estilo que tiene como objetivo fundamentar destacar las posibilidades de la voz humana. Todos los elementos del drama lírico se subordinan a la exhibición vocal. Esto llevará a los cantantes a desarrollar las posibilidades de la zona aguda de la voz, a hacer escalas, trinos y otras agilidades del gusto del público.
Rossini, que está a medio camino entre el Clasicismo y la irrupción romántica , desarrolló las nuevas tendencias. En el género buffo aplicó recursos efectistas belcantistas , procurando crear personajes humanos y combatiendo las improvisaciones caprichosas de los cantantes. Podemos destacar: Il barbieri di Siviglia, La cenerentola o L´italiana in Algeri
Como óperas serias podemos destacar Gulillaume Tell y Otello
Bellini concibe la ópera como un todo, ajusta la música a las necesidades del texto,sus acompañamientos son pobres, buscando así realzar la sugestión y belleza de sus melodías . Algunas de sus óperas más famosas son Norma, I puritani, La sonnambula
El villancico español es un buen ejemplo de textura homofónica.El tema de los villancicos es amoroso o satírico. Puedes escuchar y seguir la letra de Más vale trocar de Juan del Encina; en la introducción se escuchan varios instrumentos renacentistas, como la viola de gamba y la vihuela. Aquí puedes ver la partitura
La chanson francesa tiene una textura polifónica o contrapuntística. En este vídeo se puede ver la entrada de las 4 voces como un canon
EL madrigal italiano usa los dos tipos de textura (homofonía en el estribillo FA LA LA, y contrapunto en la estrofa) y un recurso llamado madrigalismo, en el que la melodía intenta representar lo que dice el texto, en este caso con onomatopeyas.Un buen ejemplo es el madrigal
Contrapunto bestialle alla mente de Adriano Banchieri
La polifonía religiosa utiliza el motete y la misa con texto en latín y textura contrapuntísitica y polifónica.
Puedes seguir la partitura del motete O magnum mysterium de Tomás Luis de Victoria, uno de los autores más importantes del renacimiento
BARROCO
Durante el Barroco , los compositores siguen cultivando formas vocales heredadas del Renacimiento, pero ya no se presentan las voces superpuestas con igual importancia, sino que se destacará la voz superior sobre las demás , que quedarán subordinadas al acompañamiento del canto.
Esta nueva forma de composición conocida como monodía acompañada o melodía acompañada, estará presente tanto en la música vocal como en la instrumental y supone el cambio de una concepción melódica-horizontal (textura contrapuntísitica) a una concepción acórdica-vertical( textura armónica)
El protagonismo de una melodía superior implica la aparición de una nueva voz grave, que hace de sustento armónico y que recibe el nombre de bajo continuo.
El madrigal es una de las formas más representativas de este cambio estilístico, que será definitivamente asumido a partir del Libro V de Madrigales de Claudio Monteverdi, publicado en el año 1605
El nacimiento de la ópera
La ópera surge en el círculo cultural del Conde Bardi en Florencia. La conocida como "Camerata Fiorentina", que reunía a nobles, sabios, filósofos, poetas y músicos, en su intento de resucitar el teatro clásico griego, será el punto de partida del género operístico, que asumirá plenamente la monodía acompañada.
La utilización de la monodía acompañada facilitará el principal objetivo de la ópera: que la música pueda subrayar y reforzar la expresión de la palabra. Así, el requisito indispensable de la ópera será la inteligibilidad del texto .
Portada de la primera edición de Eurídice de G. Peri
La primera ópera conservada es la Eurídice de Jacopo Peri, a la que seguiría otra con el mismo título compuesta por Giulio Caccini. Ambas obras fueron representadas en el año 1600 señalando el inicio del barroco musical. Sin embargo, la considerada como primera gran ópera de la historia es el Orfeo de Claudio Monteverdi estrenada en el año 1607, que ya representa un rico desarrollo instrumental y vocal marcando la estructura del género
Puedes ver algún fragmento esta versión de Jordi Savall, donde recrea con instrumentos y escenografía la representación de la ópera en su época
Características de la ópera
La ópera es una forma vocal compleja de carácter narrativo que utiliza la representación escénica . Escrita para orquesta, coros y solista, se desarrolla en tres partes fundamentales:
- Obertura: introducción instrumental que da comienzo a la obra
- Partes cantadas: por solistas (personajes principales) y coros (personajes secundarios). Distinguimos dos estilos de canto según el contenido del texto
estilo aria: melodías expresivas para textos más emotivos
estilo recitativo: texto declamado para pasajes que requieren un desarrollo más ágil de la acción
- Interludios: secciones instrumentales que se intercalan articulando y uniendo las distintas partes de la obra.
Tipos de ópera
La evolución de la ópera en el barroco dará lugar a dos tipos principales dentro del mismo género:
Ópera seria
Utiliza argumentos basados en temas mitológicos y heroicos escritos en italiano y será el género preferido de la aristocracia . A este tipo pertenecen las primeras óperas y adquirirá un gran desarrollo en Italia, su país de origen
La evolución de la ópera seria en el barroco irá distanciándose progresivamente de los ideales iniciales de la Camerata Fiorentina para convertirse en un espectáculo lleno de artificios al servicio de los castrati.
Los principales compositores de este género son Alessandro Scarlattti (1660-1725) y Georg Friedrich Haendel (1685-1759)
Puedes ver a la mezzosoparano Cecilia Bartoli cantar un aria de la ópera la Griselda de Antonio Vivaldi-
Observa los diferentes gestos que hace la cantante para obtener más resonancia al cantar
Ópera bufa
Utiliza argumentos basados en la vida cotidiana con personajes más cercanos al pueblo que presentan, con frecuencia, una crítica social a las clases altas.Posee un carácter plenamente popular que se refleja en una música más sencilla que prescinde de los castrati, el empleo del idioma propio de cada país y la sustitución de los recitativos por pasajes dialogados
La obra que marca las características de esta ópera cómica es La serva padrona de Givanni Baptista Pergolesi, estrenada en el año 1733.
Puedes ver un fragmento de la célebre ópera
El imperio de los castrati
Los castrati, cantantes masculinos castrados antes de la pubertad para evitar el cambio de la voz, mantenían un timbre agudo y cristalino con la capacidad torácica de un hombre adulto, que les permitía obtener un virtuosismo técnico y una potencia vocal extraordinaria.
Al principio fueron utilizados para cantar las partes agudas de la música religiosa, pero desde comienzos del XVII y hasta finales del XVIII se convirtieron en los principales protagonistas de la ópera seria.
Los castrati dominaron los principales escenarios del Barroco representando papeles de héroes y dioses. Voces angelicales para personajes viriles que encarnaban el gusto por el contraste y el artificio de la época.
La ópera seria se convirtió en un espectáculo para el lucimiento del castrato, consistente en un conjunto de arias ostentosas que respondían a una forma ternaria da capo (ABA) para que en la sección final el protagonista pudiera lucir sus dotes vocales con todo tipo de ornamentos improvisados
Uno de los castrati más famosos fue Carlo Broschi, Farinelli, que podía recorrer tres octavas haciendo trinos sobre cada nota. En 1737 fue contratado por la corte española para cantar todas las noches al rey Felipe V con el fín de calmar sus "ataques de melancolía".
El compositor más destacado en Francia de óperas es Jean Baptiste Lully con la Tragédie lyrique ; en Inglaterra destaca Henry Purcell con su célebre Dido y Eneas
EL CLASICISMO
A mediados del siglo XVIII, la ópera seria, frente al creciente auge que empezaba a tomar la ópera cómica (buffa en Italia, vaudeville u opera comique en Francia, singspiel en Alemania) era la protagonista absoluta de la vida musical europea.
Gluck plantea con el estreno de su Orfeo ed Euridice , una reforma de la ópera en un intento de despojarla de ornamentos inútiles y lucimientos vocales continuos. Así, se potencia el coro , se eliminan superfluas vocalizaciones y la línea del canto pasa a estar al servicio de la expresión poética . También la orquesta potenciará sus posibilidades al utilizarla de manera más colorista.
Mozart llegará a profundizar de manera inigualable en la relación música-drama, consiguiendo unificar las tendencias operísticas italiana, francesa y alemana y creando así un nuevo estilo. Escribió óperas sobre temas tradicionales (Mitridate y la Clemencia de Tito) , pero en general son de origen popular (Don Giovanni,que representa más bien a un héroe romántico ; La flauta mágica ,con los ideales de igualdad, libertad y fraternidad; Las bodas de Fígaro, Cossí fan tutte, de temas más cercanos...)
La reina de la noche de La flauta Mágica
EL ROMANTICISMO
En el siglo XIX podemos hablar fundamentalmente estos estilos:
El bel canto: final del XVIII y primera mitad del XIX
El bel canto es un estilo que tiene como objetivo fundamentar destacar las posibilidades de la voz humana. Todos los elementos del drama lírico se subordinan a la exhibición vocal. Esto llevará a los cantantes a desarrollar las posibilidades de la zona aguda de la voz, a hacer escalas, trinos y otras agilidades del gusto del público.
Rossini, que está a medio camino entre el Clasicismo y la irrupción romántica , desarrolló las nuevas tendencias. En el género buffo aplicó recursos efectistas belcantistas , procurando crear personajes humanos y combatiendo las improvisaciones caprichosas de los cantantes. Podemos destacar: Il barbieri di Siviglia, La cenerentola o L´italiana in Algeri
Figaro, del Barbero de Sevilla, una de las arias de ópera más famosas
Como óperas serias podemos destacar Gulillaume Tell y Otello
Bellini concibe la ópera como un todo, ajusta la música a las necesidades del texto,sus acompañamientos son pobres, buscando así realzar la sugestión y belleza de sus melodías . Algunas de sus óperas más famosas son Norma, I puritani, La sonnambula
Casta diva, de Norma, una de las arias de ópera más famosas; interpretada por Maria Callas
Donizetti escribe entre otras Lucia de Lammermoor, L´elisir d´amore
Poco a poco la preocupación puramente romántica por la expresividad y la exteriorización de los sentimientos fue sustituyendo a la estética basada en la exhibición vocal.
Con Verdi nace una ópera distinta, moderna, conmovedora y llena de expresividad.Tiene argumentos de carácter mitológico o histórico ( Nabuco tuvo una gran trascendencia político-social), sencillas melodías llenas de expresividad, contundentes coros plenos de sonoridad y una orquestación nueva , que apoyaba eficazmente las voces. Algunas de sus óperas son: Rigoletto,Il Trovatore, Don Carlo, La forza del destino, Aida o La traviata, Otello y Falstaff
El brindis de la Traviata
El verismo
Puccini nos presenta un mundo reducido y mediocre, pero lleno de vida. Rompe con el universo de grandes personajes verdianos para acercarse a un universo más próximo y cotidiano. Algunas de sus óperas: La boheme, Tosca y Madame Butterfly
E lucevan le stelle
EL LIED
Lied es una palabra alemana que significa canción (en plural lieder). Como forma musical tiene una acepción más concreta: es una canción para voz solista con acompañamiento de piano , cuya música se compone basándose en una poesía. De esta manera se consigue la íntima unión entre el texto y la música , siendo una forma extraordinaria para expresar el sentimiento romántico
Destacan Franz Schubert, Robert Schumann, J. Brahms y Hugo Wolf
El lied Du bist die Ruh de Schubert interpretado por una soprano
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